Juan Pablo Meza Recabarren

Fotografía de autor

2010-06-26T14:07:00.000-07:00

RICHARD AVEDON

Ha sido una de los más grandes fotógrafos del mundo de la moda y de los retratos, capaz de introducir en el mundo de las pasarelas en los años sesenta la idea de la composición y la imaginación en los retratos de las modelos y elevar la categoría de sus fotos a fotografías artísticas.

Marylin Monroe 1957

En esta fotografía Avedon nos muestra el lado más intimo de Marylin Monroe, logra evocar a través de esa mirada tierna aquella languidez nostálgica y triste, en busca de un rumbo sin destino. Aquí Richard Avedon denuestra sus dotes para fotografiar no solo el rostro, sino también el alma.

YASUMASA MORIMURA

Comenzó su formación en Osaka, hasta que en 1975 obtuvo una beca para la Kyoto City University of Art, donde permaneció estudiando diseño hasta 1978. A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra. Morimura analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón. Asimismo, rechaza otras oposiciones como predeterminadas, poniendo en tela de juicio la identidad sexual, cultural o nacional, denunciando una globalización desequilibrada e impositiva. Morimura ha sido englobado en el grupo de artistas de los setenta que utilizaron la técnica del “apropiacionismo”.

Mediante este procedimiento, el artista se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación. De este modo, Morimura cosifica la obra (gran influencia de autores como Marcel Duchamp o Andy Warhol)

En esta fotografía de 1998 Yasumasa reinterpreta la obra de Manet, La Olimpia de 1863, dejando de manifiesto toda su capacidad en cuanto al transformismo artístico, es precisamente aquello lo que más fascina de las imagenes generadas por Yasumasa, una obra realmente deslumbrantemente contestataría.

RINEKE DJISTRA

La fotógrafa holandesa Rineke Dijkstra forma parte del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo. En un breve periodo de tiempo, sus obras se han empezado a subastar a precios desorbitados, y su reputación en el ámbito internacional goza de alta estima a pesar de no acudir a ferias de arte, ni tener blog ni website propia. Tomando referencias de los maestros del retrato holandés y flamenco de los siglos XVII y XVIII y a los fotógrafos Diane Arbus y August Sander, pero desarrollando a la vez un estilo muy personal de trabajo, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.

En esta fotografía Rineke, retrata a una niña común y corriente en una pose casual, logra captar la esencia del ser común, su sentido de pertenencia, su identidad. Retrata a personas inseguras y solitarias, busca arquetipos de la sociedad contemporánea. Las poses y miradas se pueden leer e interpretar desde un punto de vista social, psicológico, cultural o incluso sexual, pero en cualquier caso esa simplicidad resulta fascinante y exalta la curiosidad natural de unas personas sobre otras. Es quizás la retratista que más llama mi atención debido a la falsa sencillez en sus representaciones lo que hace preguntarnos una y otra vez de donde proviene tal o cual persona, que siente en esos momentos, cuales son sus inseguridades.

CINDY SHERMAN

El trabajo de Cindy Sherman se hizo mundialmente famoso al inicio de los ochenta por su peculiar manera de tratar el autoretrato. Éste no sería tanto el reflejo de la propia personalidad como el pretexto para adoptar e interpretar otras vidas posibles a través de la imagen. De hecho, la representación, de su propia imagen, pervertida y transformada a través del disfraz, la prótesis o el maquillaje, ha sido una constante a lo largo de su obra de más de tres décadas.

Este es uno de sus famosos autoretratos de la serie llamada Films Stills, instantanea en blanco y negro en la cual podemos apreciar a Cindy caracterizando a la típica actriz de película norteamericana de serie B. Una escena muy dramatizada en la que vemos representada buena parte de los roles de la mujer norteamericana de su tiempo. Llama la atención la pulcridez en esta serie que captan a la perfección los estereotipos de los medios de comunicación de la época.

PIERRE et GILLES

Pierre y Gilles son una pareja de fotógrafos y artistas franceses que desde hace más de 30 años llevan explorando y reinventando la iconografía popular, destinada, según ellos mismos, a ver la vida de una manera más amplia, a “tratar de comprender las diferencias”, y que va mucho más allá de la estética kitsch o la cultura gay.

Herederos de la tradición estética de los provocadores ingleses Gilbert & George, desde sus inicios, la pareja apostó por el trabajo artesanal y en sus más de 800 obras han seguido siempre el mismo proceso creativo: Gilles construye los decorados y Pierre ilumina y hace la foto, que una vez revelada, Gilles pintará minuciosamente, pincelada a pincelada, una única copia hasta conseguir su particular aura de intencionada irrealidad, rompiendo drásticamente con el arte conceptual o la fotografía en blanco y negro.

En esta fotografía podemos apreciar en su totalidad las influencias Kish de este duo fotografico, nos adentran el mundo exuberante, saturado y lleno de detalles. En esta instantanea se alude al mundo gay, siendo uno de los enfoques de este duo, que han querido dejar de manifiesto su lucha por la abertura en la tolerancia. Llama la atención el trabajo "artesanal" en esta y en todas sus composiciones, lo que ayuda a resaltar el mundo al que nos invitan en cada una de sus fotografías.

IRVING PENN

Irving Penn es el último exponente de la fotografia de moda al estilo aristocrático. Fue enviado a Paris por Vogue en 1950 para fotografiar la colección de modas más lujosa de ese momento. Las imágenes parecían bastante simples, pero la representación de la moda se subordinó a la manifestacion del punto de vista personal del fotógrafo.

Irving Penn, como Richard Avedon, operó simultáneamente en otra rama de la fotografía comercial – anunciando – y en sus álbumes publicados él mezcló imágenes hechas por encargo con otras producidas como parte de proyectos más personales. El resultado fue que su tendencia a la fotografía de modas fue influenciada por la ambigüedad crativa que rodea a la fotografia commercial en un determinado momento.

En esta instantanea podemos ver retratado a Truman Capote, un gran escritor dedicado a cornicas policiales. Irving en esta toma evoca simplemente a Capote, registra lo obvio del personaje y lo retrata para nosotros; nos muestra su visión personal hacerca de este personaje. Llama la atención la "simpleza" de su trabajo que a la vez evoca un perfeccionismo obsesivo.

YOUSURF KARSH

Yousuf Karsh nació en Armenia en 1908 y con 16 años emigró a Canadá, donde se puso bajo la tutela de su tío, el prestigioso fotógrafo George Nakash. Fué así como descubrió su entusiasmo por la fotografía.
George Nakash ofreció a su sobrino la posibilidad de trasladarse a Boston para asistir a las clases del retratista John H. Garo, al cual Karsh debe, además de su sólida formación, su amor por la pintura y por el arte en general. Más tarde, se instaló en Ottawa, donde abrió su propio estudio de retratos.

Muy pronto ganó una excelente reputación como retratista y contaba entre su clientela a eminentes personajes de la política, la ciencia y el arte. En 1941 logró su irrupción en el ámbito internacional, gracias al famoso retrato de Winston Churchill.

El trabajo de Karsh no se limitaba al ámbito de su taller: el fotógrafo prefería captar a sus modelos en su propio ambiente familiar.

Aquí vemos el retrato de Muhammad Ali uno de los más grandes dentro del boxeo; la temática se centra en el rostro del personaje "guardando" sus manos para acentuar el caracter desafiante. Yousuf refleja en su busqueda el caracter de Ali, pero también la grandeza de su alma.

EUGENE GOLDBECK

Fotografo de la gan escala, se caraterizó por realizar retratos de las grandes armadas de los Estados Unidos y las panorámicas caratrizaron su trabajo.

Esta panoramica retrata a la fuerza aerea NorteAmericana, destaca la gran cantidad de detalle y profundidad de campo, lo que acentua la potencialidad del escuadron.

CHUCK CLOSE

Chuck Close (Charles Thomas Close, nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington, EE.UU.) es un artista estadounidense, pintor y fotógrafo fotorrealista. Desde 1988 parapléjico, prosiguió su carrera utilizando diversos métodos creativos.

La mayor parte de sus obras son enormes retratos basados en fotografías (técnica del fotorrealismo o hiperrealismo). En 1962 recibió su titulación (B.A.) en la Universidad de Washington en Seattle.

Este retrato en primer plano llama la atención por su gran calidad de contraste, el enfoque en el rostro nos hace adentrarnos en la mirada de la persona y nos llama a tratar de descubrir que hay más allá de una fotografía.

PHILIPPE HALSMAN

Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del "jumping style" o "jumpology", a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman.El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito.No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras.

Nuevamente otro retrato de Marilyn Monroe, esta vez sin embargo Halsman se preocupa de resaltar otro ambito de la actriz, su lado "vulnerable", la hace verse atrapada, capturada, por la cámara, atrapada por el deseo del hombre; nos hace fijarnos en su mirada llena de sensualidad, una imagen que refleja el lado más potenciado por la artista.

ALASTAIR THAIN

En esta fotografía podemos ver a Tom Waits, un pianista, cantante, compositor y actor estadounidense. En este retrato Thain logra un tensión muy interesante, todo esta dirigido hacia el retratado, tensión que ayuda a reforzar la personalidad y vida de Waits, en donde sus comienzos circularon por cabaréts populares de Los Ángeles.

Antecedentes Históricos de la Fotografía

2010-06-25T00:44:00.000-07:00

El término fotografía, procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir con la luz". Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más aún determinar con exactitud quién haya sido el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatoria. Pero podemos decir que gran parte de su desarrollo se debe a Joseph-Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica.

Antes de que el término fotografía se utilizara para identificar esta técnica de impresión química de imágenes, fue conocida popularmente como daguerrotipia.

HISTORIA

La historia de la fotografía abarca un extenso período, que pueden establecerse desde el Siglo XVI con el redescubrimiento de la Cámara Oscura (inventada en 965 por el matemático árabe Alhacén), hasta el propio siglo XXI.Un proceso que ha marchado de la mano con el progreso tecnológico, lo que ha implicado una evolución tanto de los medios para obtener las fotografías como de los soportes empleados para reproducirlas.

Sin embargo, a comienzos del siglo XIX la Cámara Oscura y otros instrumentos relacionados se encontraban en el olvido, por lo que habrá que redescubrirlos en cierta medida.

Primer dibujo de la cámara oscura

La fotografía nace en Francia en el momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. También influye en su nacimiento la filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el retrato como instrumento de verificación y afirmación del ascenso social.
En 1816 Niépce obtiene la primera imagen negativa con una cámara oscura. En 1826, él mismo, hace su primera heliografía, partiendo del betún de Judea.

Louis Daguerre se asocia con Niépce, para seguir las investigaciones. Pero en 1833 fallece Niépce, y Daguerre continúa solo hasta obtener un procedimiento fiable y comercial. El daguerrotipo se presenta en 1839 en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia. Ese mismo año 1839, se divulga mundialmente el procedimiento del daguerrotipo. El sistema consiste en la obtención de una imagen única formada sobre un soporte metálico, siempre de cobre plateado. La imagen se revelaba con vapores de mercurio, apareciendo en la cara plateada de la placa, que previamente se había sensibilizado con vapores de yodo. Pero era un procedimiento caro, y el equipo pesado, y precisaba de un tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Además los vapores de mercurio eran realmente dañinos para la salud.


Primera fotografía

L’Atelier de l'artiste (el taller del artista), Louis Daguerre, 1837.

Entre los años 1836 y 1838 Daguerre realizó numerosos ensayos previos a la divulgación. Por ejemplo, en abril o mayo de 1838, obtuvo la conocida vista titulada Boulevard du Temple, con una exposición de cerca de 10 minutos. Esta imagen está considerada la primera fotografía en la que aparece la silueta de una persona: un cliente de un limpiabotas, en el ángulo inferior izquierdo, ampliando la vista. Anteriormente Daguerre había tomado otras vistas de París y realizado bodegones.

En 1840 William Henry Fox Talbot desarrolla un sistema negativo-positivo, en un otro procedimiento llamado calotipo. Consistía en un negativo de papel copiado sobre otra hoja, que por contacto creaba un positivado. El papel se humedecía en una solución ácida de nitrato de plata, antes y después de la exposición y antes de ser fijada. Supuso, además, el invento de la copia fotográfica, ya que un único negativo podía dar lugar a varios positivos y su tiempo de exposición era mucho menor, de 1 a 7 minutos. En 1842 el astrónomo y químico inglés Sir John Frederick William Herschel (1792-1871) introduce el proceso de cianotipia. También fue el primero en aplicar los términos "positivo" y "negativo" a las imágenes fotográficas. En 1819, Herschel descubrió el poder solvente del hiposulfito de sodio en torno a las sales de plata insolubles, estableciendo un precedente a su utilización como un agente fijador en la fotografía. Informó a Talbot y Daguerre de su descubrimiento en 1839 y que éste podía ser utilizado para fijar imágenes de un modo permanente. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839.

Para mejorar la nitidez de estas imágenes y evitar las rugosidades del papel, en 1850 Blanquart Evrard emplea el papel de albúmina, que conseguía que la emulsión sobre el papel no siguiese las imperfecciones de las fibras, recubriéndolo con albúmina de huevo, y sensibilizándolo en nitrato de plata.

En 1851 se presenta el nuevo procedimiento fotográfico del colodión húmedo. El colodión se vierte líquido sobre las placas de vidrio, muy limpias. A continuación las placas se sensibilizaban en un tanque con nitrato de plata, y se cargan en los chasis. Permite la obtención de imágenes negativas muy nítidas. Se llama "colodión húmedo" porque la placa ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo un laboratorio fotográfico portátil, a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y carromatos reconvertidos en laboratorios para los fotógrafos de viajes que trabajaban en el exterior.

A partir de 1855 es cuando realmente triunfa el colodión, siendo el procedimientoCharles Clifford y al francés J. Laurent.

En 1871 nace el procedimiento de las placas secas al gelatino-bromuro, que supone el empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución de bromuro, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento. Se rebaja el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que permite posteriormente acercarse al concepto de instantánea fotográfica.

En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó la sustitución de las placas de cristal empleadas hasta el momento.

En 1907 la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias en vidrio.

En 1931 se descubre el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable.

En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos.

Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.

DOCUMENTAL: FILM&ARTS

A continuación los dejo con un gran documental sobre la historia de la fotografía; realizado por el emblemático canal FILM&ARTS dedicado a contar y tratar temas relativos a la gran gama de artes existentes en el mundo entero.